Ilmenite is a mineral which contains iron and titanium. When used coarse and when not ground into the glaze or clay body, it will create speckles.
Coarse red iron oxide has a similar effect. When a glaze is not properly mixed, red iron oxide will create speckles, but in this case it was intentional.
The key to making a speckled glaze is to only the sieve the glaze before the speckles are added.
How the study was conducted
In this study, I tested adding quantities of coarse red iron oxide and ilmenite to a white glaze base.
I started by mixing 1000g of white dry ingredients and added them to 1000g of water. I then divided them into 9 containers of 200g each. This study only shows results from 3 buckets, but I intend to use the rest for other tests at a later date.
I used one of the buckets to test 3 speckle colors together at different amounts.
Click on the image below to see it larger.
Results
Ilmenite produces speckles already at low quantity. The speckles look much more defined and "sit" on top of the glaze. See close up below, showing white with 2% ilmenite.
On the other hand, coarse red iron oxide produces speckles that are a lot more subtle and blend into the glaze. You can also see how, red iron oxide already alters the color of the glaze at lower amounts.
The photo below shows white with 2% coarse ROI and the one below shows white with 5% ilmenite.
5% ilmenite is a little too much speckles, although some interesting results can be obtained. See the same glaze on a bigger piece (porcelain).
]]>In the past couple of months, I have been testing out a variety of recipes and variations and while I eventually got close to my goal, I wanted to run a little study on the mix of tin and chrome in glazes.
My goal with the initial recipe was to create a pink variation of my icy blue glaze: a soft, pastel, transparent-looking pink that I can use on delicate porcelain pieces with embossed details. To make this kind of pink you really don't need a lot of chrome, so my study focuses on very small chrome quantities, which is something I find very valuable. To reproduce this work you will need a high precision scale that can measure down to at least 0,01g.
Methodology
The test is designed as a biaxial blend: I mixed 1000g of dry ingredients, added 1000g of water and then divided up the batch in 9 separate 200g glaze batches in smaller buckets. I only ended up using 7 for this test but you can continue if you so wish.
Each of the 7 buckets got an increasing amount of tin. The first has 0,5%, the second 2% and so on.
Then I treated each small bucket as the starting point for a line blend test. I added increasing amount of chrome: I started with 0,01%, dipped a test tile, added 0,04%, dipped a test tile and so on. I designed the increments to be small.
All tests were fired at cone 6 (1240C). Clay body is Limoges Porcelain.
Click on the image below to download/see a bigger photo.
Conclusions
With the right base chemistry, there is a point where, between 3% and 5% tin, the chrome additions will result in a pink glaze (as opposed to green). After that, increasing chrome will make the glaze increasingly more purple.
When it comes to the base chemistry, the base glaze needs to contain high levels of calcium, which in this case are given by the wollastonite.
Base Recipe
The base recipe is a pre-existing Blush Pink glaze found on Glazy. I chose it because it had a good amount of calcium.
]]>
One of the islands that has captured my imagination, also beautifully described in Madeleine Bunting's "Love of country", is Staffa. Well-known for its fascinating Final's Cave, Staffa has been the destination for a lot of poets, artists and writers over the ages.
I have not had the fortune to visit, but I have spent months pouring over tales of the voyage by Banks and Thomas Pennant, Walter Scott, Felix Mendelssohn, J.M.W. Turner and John Keats. Their accounts have been fascinating.
Fingal's Cave. Photo from from 1900 from Unknown.
----
In 1810, Sir Walter Scott traveled to the Hebrides. He wanted to undertake a trip and was invited by the Laird of Staffa
He was accompanied by part of his family (and his dog Wallace ), and by several friends. He did not keep a journal but wrote letters to his friend Joanna Baillie, Scottish poet and playwright. The two were friends and supported each other’s work.
In a letter to Joanna he wrote in 19 July 1810 from Ulva House:
"I cannot, my dear Miss Baillie, resist the temptation of writing to you from scenes which you have rendered classical as well as immortal. We, which in the present case means my wife, my eldest girl, and myself, are thus far in fortunate accomplishment of a pilgrimage to the Hebrides. The day before yesterday we passed the Lady's Rock, in the Sound of Mull, so near that I could almost have touched it.
This is, you know, the Rock of your Family Legend. The boat, by my desire, went as near as prudence permitted ; and I wished to have picked a relic from it, were it but a cockle shell, or a mussel, to have sent to you ; but a spring tide was running with such force and velocity as to make the thing impossible.
[...]
Yesterday we visited Staffa and lona: The former is one of the most extraordinary places I ever beheld. It exceeded, in my mind, every description I had heard of it; or rather the appearance of the cavern, composed entirely of basaltic pillars as high as the roof of a cathedral, and running deep into the rock , eternally swept by a deep and swelling sea, and paved as it were with ruddy marble, baffles all description. You can walk along the broken pillars, with some difficulty, and in some places with a little danger, as far as the farthest extremity."
---
Inspired by Staffa, I created a few mugs, cups and plates inspired by the seas. I used slip to draw brushstrokes inspired by the rough seas that accompany the journey to the island. The small and delicate flower and plant designs - either drawn or carved - depict what I imagine the plant life to look like in spring, when the birds return. Imagine drinking your coffee while approaching a spectacular island.
The collection will be released on Sunday November 20th.
]]>Aus diesem Grund werde ich niemals auf Kommission arbeiten. Ich habe es versucht – als ich dachte, ich müsste überall sein und zu allem ja sagen – und es hat nie funktioniert. Ich habe nur schlechte Erfahrungen gemacht (eine beinhaltete eine Gruppe von Leuten, die zur Polizei gingen, weil wir unsere Arbeit nie zurückbekamen und die betreffende Person verschwand).
Wie Sendung funktioniert
Vor allem bin ich grundsätzlich dagegen. Lassen Sie mich Ihnen sagen, warum.
Ein Unternehmen zu gründen ist riskant. Sie planen, Sie recherchieren, Sie investieren Geld und Zeit in etwas und geben Ihr Bestes, in der Hoffnung, dass es klappen wird. Manchmal nicht. Ich weiß es, weil ich versagt habe, also weiß ich, wie es sich anfühlt.
Wenn ein Geschäft eröffnet und Stücke von anderen Künstlern verkaufen möchte (dazu sage ich: großartige Idee!), besteht das Risiko, dass sich die Stücke möglicherweise nicht verkaufen und Sie am Ende eine Menge unverkaufter Bestände haben.
Wenn sich also ein Geschäft an einen Künstler wendet, der darum bittet, seine Werke in Kommission zu verkaufen, ist dies eine Möglichkeit für das Geschäft, einen Teil des Risikos seines Geschäfts an die Künstler auszulagern, deren Werke sie präsentieren. Ich sage nicht, dass es aus Bosheit geschieht – aber es ist im Wesentlichen eine Risikokompensation.
Normalerweise läuft es so ab: Ihre Arbeit wird an den betreffenden Shop geschickt, der sie bewirbt und verkauft. Das Inventar liegt nicht in Ihrer Hand und wenn sie eines Ihrer Stücke verkaufen, wird Ihnen eine Provision berechnet (ca. 20 % - 30 %, je nach Geschäft und Bedingungen). Wenn es sich bei dem Geschäft um einen Online-Shop handelt, können die Bedingungen unterschiedlich sein, aber das Prinzip bleibt mehr oder weniger gleich.
Die Nachteile
Ich habe einige Argumente gehört, warum die Arbeit an Sendungen zur Sichtbarkeit beiträgt, auch wenn sie nicht den Umsatz anführt. Sicher, im Prinzip werden mehr Menschen Ihre Marke da draußen sehen. Vielleicht hat der physische Laden eine gute Laufkundschaft. Es kann eine Möglichkeit sein, das Einkommen zu diversifizieren.
Diese Argumente überzeugen mich jedoch nicht:
Abschließende Gedanken
Die Diversifizierung Ihres Einkommens ist SEHR SEHR wichtig.
Es gibt Unternehmen da draußen, die gerne im Großhandel von Künstlern einkaufen. Wenn Sie Ihre Preise korrekt festlegen, kann der Großhandelsverkauf eine Möglichkeit sein, Zugang zu anderen Märkten zu erhalten. Sie werden im Voraus bezahlt und können entscheiden, wie lange Sie brauchen, um Ihre Bestellung abzuschließen.
Als Künstler entscheidest du, wie du dein Geschäft führst. Die Angst, etwas zu verpassen, ist eine gefährliche Sache in unserer Branche: Sie sehen andere Leute, die es tun, also werden wir hineingezogen, auch wenn es sich nicht auszahlt. Ich bin ein großer Befürworter davon, Dinge in Excel-Tabellen aufzuschreiben. Berechnen Sie Ihre Margen und treffen Sie Entscheidungen auf der Grundlage dessen, was sinnvoll und rentabel ist. Wir alle müssen Risiken und Nutzen abwägen. Ich glaube nicht, dass die Kompensation von Risiken für Künstler der richtige Weg ist.
]]>
SEO stands for search engine optimisation and it includes tools and strategies that help make your business more findable when people search for relevant search terms.
Like for many other things, they take time to show results so you need to be patient.
SEO is a huge field so in this post I will be tackling a few strategies that have helped me and have shown results. I will cover a few basics and low-hanging fruits. Before we begin, I wanted to establish a guiding principle: relevant traffic is better than a lot of traffic. You don't need to be seen by thousands of people every day. You need to be seen by the people who are looking for what you offer. So do not get bogged down in looking at numbers. Good SEO practices should help you be seen by the right people.
As artists, we need to show those who engage with us that our work is going to make a difference in their lives. This may mean that our art is helping them create the homes of their dreams or simply adding beauty in their lives.
We achieve it through various strategies, and elevating our work is part of it.
The first step is to be proud of your work.
When you talk about your work with friends, on social media, on your website, choose words that elevate and add value.
Use adjectives that communicate the love you put in your craft. Describe what difference this piece will make in your audience's lives.
Value yourself, pay yourself fairly for your effort.
When we see something cheap, we also automatically think "cheaply made", which may not be true.
Good photography is essential. If you are selling online or using social media, this is how your audience will connect with you.
Take beautiful well-lit photos or invest in a professional photographer to make sure you do your work justice.
I spend a lot of time thinking about styling my collections and I also make sure every single photo I post on my website or on my profile is visually consistent with my brand and how I want my audience to feel when they see it.
The venue you choose will determine the audience you attract to that venue.
This is true for online platforms (Amazon is not the same as Etsy), and for offline venues (flea markets are not the same as designer events).
Think about who your ideal customer is: where do they spend their time? Meet them there. Avoid the rest.
Finally, not everyone is your audience. The way you talk about, show, price and sell your work should be part of a strategy that starts with identifying your ideal customer.
Do not undervalue yourself, even when you are at the beginning stages. Always speak of your work with respect and enthusiasm. It will travel.
]]>
“Nothing is perhaps more peculiar than the process by which one obtains Prussian blue, and it must be owned that, if chance as not taken a hand, a profound theory would be necessary to invent it”. Jean Hellot, 1762.
Around 1706 (we’re not quite sure), in Berlin, an alchemist named Johann Jacob Diesbach mixed up a batch of what he believed was his cochineal red lake paint. The ingredients included potash and iron sulphate.
He had made this before but this time he used potash that he purchased from a colleague, Johann Konrad Dippel (yes, many Johanns in this story). To his surprise, the paint he was expecting to be red turned out a deep blue.
As he looked for answers, Diesbach went back to Dippel. The latter concluded that his potash might have been contaminated by animal oil. Dippel, a rather fascinating fellow, was known for his “Dippel Oil”, which he claimed could heal all sorts of illnesses. His oil was made by boiling animal parts and so the potash he gave Diesbach was contaminated by animal blood.
When mixed with iron sulfate, the blood causes a chemical reaction, creating iron ferrocyanide, which we now call Prussian blue.
Prussian blue is generally thought to be the first synthetic pigment and it was indeed created by accident.
The formula to make Prussian blue remained a secret until 1724.
Sources used for this blog post:
- The secret lives of colour, Kassia St. Clair
- Pigment: The first modern pigment, Prussian Blue
- Prussian Blue , the oldest synthetic pigment born from a mistake
]]>
I am excited to announce the Mesh & Cloth Monthly Clay challenge!
Every month I will announce a topic and you will have a chance to send in photos of your clay creations inspired by that topic.
Want to find out more? Go to my clay challenge page to get all the infos and find out this month's topic. You have until the end of August to submit your photos.
]]>When I worked at big organisations, I was trained to think about brand risk with every decision I made. Was this post or photo going to reflect badly on our organisation? Was this glaring bug or problem going to affect our reputation?
The skills I learned working in the corporate world have come very handy in my creative business. This includes the way I think about and protect my brand and what I created.
⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀
I am notoriously picky in the partnerships I go into and what I choose to give my time to. Every activity takes my time and my energy, and I have worked way too hard on building a business and a brand, for it to be devalued in small or big ways.
⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀
Most importantly though, this is something I see a lot of people struggle with. Especially newer businesses.
When we start out, we think we need to jump at every opportunity, be everywhere, say yes to everything. It's not the case. While being open to opportunities is very important, it's essential to manage our time and energy and protect our brand so that it stands out.
⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀
I put together a few things I learned and practice below.
Brand risk can have many definitions but I use it to define something (a partnership, activity, product), that may devalue my brand.
Partnering with a brand that is not aligned with our values. This can be in the form of simply selling our products on a site, offering free product in exchange for visibility, collaboration...
Engaging in practices that diminish our standing, like shady SEO practices, "like chains", etc
Dilution of brand by being present in many places at once
Brand feel
Values
How the brand engages with its customers
Engagement level
Long term impact
It can be tempting to say yes to every single offer out there, especially at the beginning of a business. It's natural to think: the more exposure the better. It's however not the case.
Every partnership or activity is a demand on your time, so it should be worth it. Protect your time and your creativity.
An ubiquitous brand is not necessarily a stronger brand. You do not want to be a brand of dishwasher, right?
For creative businesses, for artists, our brand is very much a reflection of us and our work and it's essential we remain in control.
Also, we very much handle in lifestyle goods and these should not be available everywhere at once.
Be selective. It's OK to say no. Do not let FOMO get the better of you.
Do not undervalue yourself and your brand. It doesn't matter how small or how new it is.
Focus on the things that nurture your creative practice and protect your time.
]]>
In April we spent a few magical days in Tuscany.
As most of you know, I am originally from Italy (Turin, to be precise), and I had not traveled back since 2019. I was so happy be back and to enjoy the sun and a few peaceful days in the Tuscan countryside. Here are a few notes and tips from my travels.
We flew in through Pisa airport and rented a car (you will need a car to explore Tuscany).
An hour drive from Pisa is Borgo Pignano, a dog-friendly medieval country estate on the top of a hill. Be prepared for lots of curvy roads on the way up. We stayed in the “Legnaia” (woodshed) maisonette, in the oldest part of the estate (ca 1200).
The exposed bricks, stone sinks and marble details were very special. Borgo Pignano is largely self-sufficient: they produce everything you eat there, from the delicious bread to the pesto to the amazing onion grissini and oil. I recommend to order the pesto and tagliatelle from the estate shopping list and enjoy it al fresco.
As a one-person business, I find myself having to juggle many tasks: book-keeping, customer service, photo editing, content creation, social media, etc.
Some of these tasks can be simplified and automated. I am a firm believer that if I had to do the same task 3 times, I can probably automate it or come up with a better process.
Here are a few tools that have helped me over time:
This has been a game-changer for me with my Etsy shop. Billbee does a million things, but I use it to create invoices (it can also do so automatically), and send shipping notifications with tracking numbers.
It integrates with Etsy, Shopify and all major platforms. It's very very powerful and saves me a ton of time.
If you need to handle customer messages on more than one platform, TextExpander is a massive time-saver. You can create templates and organise them in categories. Each templates has a shortcut and by typing that shortcut in an interface the whole template will appear, ready to be sent.
If you are primarily only responding to emails, Gmail templates are free and come with your Google Suite.
I have been using lightroom for more than 10 years and I have never looked back.
Pro tip: once you have edited a photo just like you want it, press copy (Command C/Control C), select one or more photos you want to have look similar, press paste (Command V/Control V).
Nifty little mobile app with a free tier. I mostly use it when I need to edit down long videos for reels, for instance when I need to make a sped-up version of a video.
Probably my favorite in terms of time savings. I use Canva to create insta ads, reels, postcards, posters, flyers, you name it.
Favorite feature: the ability to copy and resize artwork so that it can easily made to fit different formats (such as post and story).
(Still would really appreciate better multi-page tools though...)
]]>What follows is merely an attempt at dispelling a few myths and to some extent explain how I price my work.
Myths about pricing and handmade work
1. Art/handmade is not something you can live on
This one makes me particularly salty because it is a harmful myth that directly impacts people's perception of what artists deserve. So let's dispel the first myth here and now: artists are professionals and do a job and as such, need to be remunerated properly. They need to be remunerated properly not merely to survive but to make a good living and to thrive, to live a good life the way they imagined it. Art is valuable, it makes the world a better place. And even if you do not believe that for some mysterious reason, it is still a job, a service, and we are in a habit of paying our rent/mortgage/groceries with money. So we need money to pay things.
Whether or not an art or handmade business thrives financially is determined by many factors, but let's just all get rid of the idea that artists need to starve.
2. If I were to charge the amount of time it actually takes me to make (insert work here), nobody would pay for it.
I will use the example of a mug here, but this can be applied to various objects and art forms.
The mistake we tend to make, and that I myself have made a lot in the past, is to ask myself "how much would I pay for it?". This only tends to make us devalue our work.
A mug takes a certain amount of time to make: I need to cut the clay, prep the clay, form the clay, wait a certain amount of time for the clay to be dry enough, connect the slab, spend a bunch of time cleaning up the shape, wait a bit longer and then attach a handle. The next day I would clean up the shape and refine the rim. Once the mug is fired I need to clean it and glaze it. The glazes I use have been developed by me, which means that it took a long time to get to the final result: I have spent hours looking at formulas, mixing batches and evaluating them. I have invested in my education on glaze chemistry so I could do this well and responsibly.
If I where to disregard all of the above and just go with my gut, I would probably pay myself nothing and I would not even cover my costs. Where would that leave me? Unable to make a living from my work.
A few pointers on pricing ceramics
Set your goals
Are you trying to make a living off your work? Or are you just looking to finance a hobby? The answer to this question will determine your approach.
While this is a personal decision, and will vary according to your situation, I do think most of us underprice ourselves and unfortunately, low prices set wrong expectations and fail to convey the value of our craft.
Not winging it
Costs that need to be covered
Another way to approach it
Just to make sure it's clear: it's NOT about surviving. It's about making a living and not burning out because you are making 300 mugs and not earning enough to go on vacation...
I look at:
Do not undervalue your work.
This means paying yourself a wage, and a living wage at that.
Think about how much you produce and how your process looks: are you able to make hundreds of products in little time or are you working in small batches of unique pieces? These differences count!
Prices are not static
You should raise your price from time to time:
I often find myself doubting my direction, but then I remember that if I were to sell out by selling mugs for 20Euros a piece, I would probably burn out in a few years or be unable to actually afford my life and would have to go back to another job.
Finding raw materials for glazes and clay in Germany can be a little tricky if you are learning from an American knowledge base and are new at it. I love making my own glazes and I highly recommend taking the Ceramic Materials Workshop "Understanding glazes" class. It got me to love chemistry and I feel so much more in control of my materials!
When I started the class I had to shop around for materials and, not being a native German speaker myself, I had to spend quite a bit of time finding the equivalent products from German suppliers, especially as we refer to many of our materials using the name of the brand. Below is a little list I had made for myself as I was shopping around. It may not be complete, so please feel free to let me know if anything should be added.
Some materials are a little more expensive and hard to source from online shops due to their provenance (such as Ferro Frits). But I found that I could easily source them via wholesale ceramic suppliers.
I have listed the most common suppliers at the end of the page. Hope this helps!
P.S. the photo in this blog post is from Wild lights photography and it shows our glaze and kiln room in our Berlin community ceramic studio, Kleistone Studio.
English Name/brand |
German name |
Nepheline Syenite |
Nephelin-Syenit |
Potassium Feldspar (Mahavir) |
Kali Feldspat |
Soda feldspar |
Natrium-Feldspat |
Ball clay |
Ball clay |
Spodumene |
Spodumen |
Silica (Flint) |
Quarzmehl |
Calcium Carbonate (Whiting) |
Kalkspat (Kalziumcarbonat) |
EPK |
Kaolin / China Clay |
Talc |
Talkum |
Strontium Carbonate |
Strontiumcarbonat |
Barium Carbonate |
Bariumcarbonat |
Zinc Oxide |
Zinkoxid (suppliers will sell the Superbleifrei version which contains no lead). |
Ferro Frit 3134 |
Calziumborsilicat (it will also have the name Ferro 3134) |
Ferro Frit 3124 |
Calziumborsilicat (it will also have the name Ferro 3124) |
Ferro Frit 3110 |
Natriumborsilikat (it will also have the name Ferro 3110) |
Ferro Frit 3195 |
Alkaliborsilikat (it will also have the name Ferro 3195) |
Gerstley Borate
|
Gerstley Borat |
Red Iron Oxide |
Eisenoxid rot |
Zircopax |
Zirkonsilikat |
Copper Carbonate |
Kupfercarbonat |
Nickle Carbonate |
Nickelcarbonat |
Manganese Dioxide |
Braunstein |
Rutile |
Rutil |
Tin oxide |
Zinnoxid |
Titanium oxide |
Titanoxid |
Bentonite |
Bentonit |
Chrome Oxide |
Chromoxid |
Cobalt Carbonate |
Kobaltcarbonat |
Silicon Carbide |
Siliziumcarbid |
Ulexite |
Ulexit |
Wollastonite |
Wollastonit |
Stains |
usually referred to as Farbkörper |
Suppliers:
]]>
Vorbereitung
Get all the tools from the set and a container of water.
1) Take a small piece of clay and form a ball with your hands.
2) Apply a little bit of water if cracks start to form.
3) Slowly insert the metal bar in the center of ball. The bar should not come all the way through.
4) Leave the ornament to dry fully (one day should suffice).
5) Once it's dry, you can paint on it and hang it with the included baker's twine.
]]>We will be offering pottery classes, kiln firing services, memberships and more.
You can already sign up for our memberships and November classes.
Join us on November 6th for our opening celebration - find out more on Kleistone Studio's website.
]]>
But where was I going to go? I knew I was happiest being creative and working for myself but my creative hobby was just that: a hobby. Certainly I could not pay my mortgage with that.
I am getting ahead of myself. This post is not about how I made that jump, but why. What drove me out of an industry that was essentially telling me all along it hated me?
I've been wanting to write this for a while, and it seemed to me that if I did, I would be officially shutting off a door. After all, my Linkedin profile still shows me as an experienced product consultant with management experience.
But there is no going back. I spent over 10 years working in an industry that hates women. And I drove myself mad trying to please everyone and trying to mould myself into the manager, the colleague, the person I was expected to be, only to end up with severe anxiety and depression.
There is no going back.
There was no breaking point. I would describe it more like a pot reaching boiling temperature.
I started my career at the bottom of the ladder: doing technical support and fixing up pages. I had a propensity for working fast and well, and that quickly made me visible and recognised among my team. At this point I had already heard the throwaway comments and the sexist remarks. Once in a Skype group chat I asked a support staff if he could get back to me once a particular bug was fixed because the rest of the team was on stand-by. He responded "yes madam", and promptly deleted his post. Numerous times I was asked if I could "keep up" with the technical conversation by a rather abusive database administrator who liked to berate me in front of my boss.
All in all though, I was happy to be seen and to be appreciated. Something in me still told me I could be happy and successful. In the first few years of my career I had a great mentor. Someone who taught me how to be respected by being kind and human. Over time, as my role changed and I climbed through the ranks, things only got worse.
It wasn't only the pressure and crazy hours. It was the constant feeling of invisibility and the expectation that I could never ever show how this affected me emotionally because I would be branded as unstable. It wasn't only the being told I had "resting bitch face" (to my face), but how my suggestions were ignored only to be accepted once another (male) colleague made them months later. It was the "you have a sexy voice"-comment over Skype, but also being passed on for promotions while being expected to show nothing but support.
The tech industry may be the arena of innovation (and I certainly don't buy into that idea), but for all the talk of culture that is so popular in start-ups nowadays, I still have not seen any truly healthy working environment.
Years ago, I was sitting at dinner during a retreat with my company. We were half-way across the world, celebrating each other's successes. As everyone was happily chatting away, I was on day 5 of subsisting on coffee and very little sleep. My mental health was clearly deteriorating but I had no way of knowing yet. I was exhausted and sad. My mind was going to pretty dark and scary places. Only after months of therapy and after being diagnosed with panic disorder and depression, I finally started seeing more clearly.
While anxiety is a complicated disease and has many factors, my job acted as a trigger. I could not go back to work for months but while I changed job, I stayed in the industry thinking, hoping, that it would be a fresh start. Unfortunately, the same issues that plagued my previous working environment seemed to exist everywhere. During my first week in my new job, a colleague threatened to leave because "he could not be managed by a woman". But I stayed because I wanted to change the culture. It did not end well.
So no, there is no going back. Because I tried to fix things but couldn't. There is no fixing this industry from the inside. Not for me at least.
]]>Als ich mit meinem Heimstudio anfing und Stücke zum Brennen in den Ofen brachte, kam mir der Brennvorgang sehr mysteriös vor. Theoretisch habe ich es zwar verstanden, aber es war mir peinlich, Fragen zu stellen, wie ein Ofen eigentlich funktioniert (warum dauert es so lange, bis ich meine Sachen zurückbekomme?) oder warum ein Glasurfeuer auf eine bestimmte Weise geladen werden muss?
⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀
Wir lernen oft, weil andere Menschen uns zeigen und helfen, sie zu entmystifizieren. Als Keramiker ist es egal, ob Sie keinen eigenen Ofen betreiben. Sie müssen nicht wissen, wie man es benutzt, aber Sie sollen wissen, was Ihre Stücke dort durchmachen werden.
Was bedeutet Reifetemperatur? Kann ich alle meine Tone bei der gleichen Temperatur brennen? Was sind Kegel?
⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀
Wissen ist Macht! Deshalb ist ein Abschnitt von mein Online-Töpferkurs widmet sich der Erklärung, was bei einem Feuer passiert und wie man mit Temperaturen umgeht.
Nachfolgend finden Sie einen kleinen Vorgeschmack auf das, was Sie von meinem Kurs erwarten können.
Das Wichtigste zuerst: Keramik muss zweimal gebrannt werden, um funktionale Teile herzustellen. Ich definiere funktionale Teile als Artikel, die täglich verwendet werden und durch das Waschen und die Verwendung mit Speisen und Getränken einer bestimmten Belastung standhalten müssen: Teller, Schüsseln, Tassen, Becher usw.
Das erste Feuer heißt "Bisque Feuer" und es geht normalerweise auf ungefähr 900C-960C. Biskuitporzellan ist normalerweise fest, aber nicht lebensmittelecht und noch nicht vollständig wasserdicht. Alle seine Poren haben sich noch nicht vollständig geschlossen: noch nicht gereift.
Die Reifetemperatur eines Tons ist die Temperatur, bei der der Ton und andere Materialien im Ton Körperbindung, werden dicht und wasserdicht. Ein nicht ausgereifter Tonkörper ist nicht stark und haltbar und lässt mit der Zeit Wasser und andere Substanzen durch.
Nach dem Biskuit-Feuer werden die Stücke dann glasiert und erneut gebrannt, im Glasur Feuer, bei höheren Temperaturen. Die Temperaturen können zwischen 1080C für Steingut, 1230C-1250C für Steinzeug und 1300C für Porzellan variieren.
Diese hohe Temperatur lässt Ihren Ton reifen Körper und wandeln die Glasur in glasige Substanz (Glas) um, die den Ton bedeckt. Ja, Glasur ist im Wesentlichen Glas!
Im Handel erhältliche Tonkörper haben in der Regel Schießstände: Wenn Sie jedoch funktionale Teile herstellen, ist es sehr wichtig, dass Sie sich die Reife- / Sintertemperatur des Tons.
Was passiert also in a Ofen?
Ein Ofen ist wie ein großer Ofen, eAußer es geht zu sehr hohen Temperaturen. Die meisten Elektroöfen können bis zu 1300 ° C erreichen.
EIN Biskuit-Feuer dauert in der Regel 24 Stunden. Der Ofen muss die Temperatur langsam erreichen (z. B. mit einer Geschwindigkeit von 120 ° C pro Stunde), bleibt eine Weile auf dieser Temperatur und muss dann auch langsam abkühlen.
Bei einem Biskuit-Feuer können die Stücke übereinander gestapelt werden, da sie nicht glasiert sind.
EIN Glasurfeuer dauert länger (normalerweise 48 Stunden), da der Ofen eine höhere Temperatur erreichen und dann von dort abkühlen muss. Beim Laden eines Glasurfeuers dürfen sich die Stücke nicht berühren und auch die Böden müssen frei von Glasur sein, sonst bleiben sie an den Ofenregalen kleben (was nervig ist, glauben Sie mir).
Ich hoffe, das war nützlich! Erfahren Sie mehr in meinem Online-Keramikkurs: Keramik zu Hause herstellen.
]]>Ton ist ein wunderbares Medium und hier gibt es einige Ideen für Dinge, die Sie auf der Hochzeitsfeier oder auf dem Junggesellinnen-/Jungesellen-Abschied kreieren können. Meine Töpfer-Sets sind wie gemacht für diese Gelegenheit!
Ring-Schalen
Ring-Schalen aus lufttrocknendem Ton sind eine spaßige, einfache Aktvitität zur Hochzeit. Die können einfach mit einer beliebigen Form hergestellt werden, die ohnehin schon zu Hause ist - wie in meiner Anleitung zum Erstellen einer Ringschale beschrieben.
Schmuck für die Brautjungfern selber machen
Halsketten oder Broschen - dafür eignet sich lufttrocknender Ton wunderbar, weil er so einfach zum Arbeiten ist und sich prima dekorieren lässt. Eine tolle Aktivität, sich gegenseitig ein paar schöne Schmuckstücke als Andenken zu machen!
Selbstgemachter Platzkarten-Halter als Gastgeschenk
Das Wort ist sperrig, aber deswegen sind Platzkarten-Halter keineswegs langweilig. Eine kleine Schüssel "pinchen" wie in der Anleitung beschrieben eignet sich prima als Behälter für Platzkarte während des Abends und dann als Erinnerung für die Gäste!
]]>Ich liebe es, roten und weißen Ton zu vermischen - in diser Anleitung zeige ich zwei verschiedene Wege dafür.
1. Den Ton rollen
Sowohl den roten als auch den weißen Ton ausrollen, zum Beispiel mit einem Nudelholz wie in meinen Sets.
Streifen aus dem weißen Ton schneiden und auf dem roten Ton positionieren.
Dann über die weißen Streifen rollen, fertig!
2. Den Ton mit den Händen vermischen
Diese Methode wird einen etwas natürlicheren, Marmor-artigen Look erzielen.
Zwei Kugeln aus Ton mit den Händen formen, je für weiß und für terracotta.
Dann die Kugeln halbieren und die Halbkugeln gegeneinander positionieren.
Daraus dann in der Hand einen neuen Ball formen und ausrollen. Fertig!
]]>Ton (egal welche Art von Ton Sie verwenden) hat ein Gedächtnis. Wenn Sie also den Ton manipuliert und möglicherweise die Ränder angehoben haben, versucht der Ton, in diesen Zustand zurückzukehren.
Selbst wenn Sie den Ton überhaupt nicht berühren, neigt ein flaches Stück dazu, sich beim Trocknen zu verziehen. Wenn Sie einen Wandbehang, einen Teller oder ein Schneidebrett herstellen, können Ihre Teile dadurch wackelig und unbrauchbar werden.
Es gibt einige Möglichkeiten, ein Verziehen zu verhindern. Das Wichtigste ist, dass das Stück flach trocknet. Dies ist, was ich mache, wenn ich einen Teller mache (das gleiche kann auf alles angewendet werden, was flach sein muss):
Hoffe das hilft! Dies gilt für jede Art von Ton, auch für lufttrocknenden Ton.
]]>Um Ihnen bei der Suche nach einem Ofen zu helfen, habe ich auf Google Maps eine Karte mit Orten angelegt, die externe Brände anbieten. Ich habe vor, dies auf dem neuesten Stand zu halten. Wenn Sie als Studio oder Community-Werkstatt Brände anbieten und möchten, dass Ihre Website hinzugefügt wird, setzen Sie sich bitte in Verbindung!
HINWEIS: Ich bin nicht verantwortlich für den Inhalt dieser Websites. Ich stütze die Informationen auf die Websites der Dienste, kann jedoch nicht bestätigen, dass jeder einzelne dieser Orte den Dienst noch anbietet. Wann immer möglich, habe ich einen Hinweis zur Glasurbrenntemperatur hinzugefügt.
Sind Sie in Berlin? Ab November 2021 können Sie Ihre Keramik in unser neues Studio brennen lassen. Infos unter: Kleistone Studio (Brenntemperatur 1230C)
]]>
Das Auftragen von Dichtmittel ist sehr einfach. Es hilft Ihrem lufttrockenen Teil, wasserbeständiger zu werden und hat einen schönen Glanz, der es polierter aussehen lässt.
Dichtmittel ist im Wesentlichen flüssiger Kleber. Vergessen Sie also nicht: Ihr fertiges Stück ist immer noch nicht vollständig wasserdicht und in keiner Weise lebensmittelecht.
Das Dichtmittel sollte als letztes aufgetragen werden. Wenn Sie Ihre Stücke mit Acryl lackieren, tragen Sie das Dichtmittel erst auf, wenn die Farben vollständig trocken sind.
Um das Dichtmittel aufzutragen, tauchen Sie einen Pinsel in das Dichtmittel und beginnen Sie, Striche auf Ihr Stück aufzutragen. Sie werden nicht viel brauchen, glauben Sie mir.
Wenn Sie die Flüssigkeit auftragen, werden Sie feststellen, dass Ihr Stück einen leicht gefärbten Glanz annehmen kann. Dies ist das Dichtmittel. Sobald es ausgetrocknet ist, verschwindet die Farbe.
Ich empfehle 2 Schichten Dichtmittel aufzutragen. Wenn Sie dies tun, stellen Sie sicher, dass die erste Schicht trocken ist, bevor Sie die zweite auftragen.
Sie können alles verwenden, was Sie finden, um Texturen zu erstellen: Papier, Stempel, Muscheln usw.
Für dieses Tutorial verwende ich ein strukturiertes Papier, das Sie in vielen Paketen finden.
Was du brauchst:
Rollen Sie den Ton mit dem Rolling Ping, bis er etwa einen halben Zentimeter dick ist.
Verwenden Sie Ihre Metallrippe, um den Ton schön glatt zu machen.
Rollen Sie das strukturierte Objekt mit der Walze auf den Ton.
Weitere Materialien:
Den Ton auf einem Stück Tuch ausrollen, bis er ungefähr einen halben Zentimeter dick ist. Das Tuch wird einerseits verhindern, dass der Ton an der Arbeitsfläche klebt, und andererseits auch eine schöne Texturierung auf dem Ton hinterlassen.
Jetzt die ausgewählte Form auf den Ton legen und mit dem Schneidewerkzeug rundherum ausschneiden. Überschüssigen Ton entfernen.
Mit einem nassen Schwamm die Rände abfahren, um sie zu glätten. Sie sollten insgesamt möglichst gleichmäßig sein.
Nun vorsichtig den Ton in die Form geben und nach unten drücken, bis die Schüssel selbst mit den Fingern erfühlt werden kann. Danach ggf. die Ränder wieder etwas glätten.
Mindestens einen Tag in der Form trocknen lassen und dann einfach aus der Form lösen.
Ein paar Tage warten, bis die Schüssel komplett trocken ist, und dann auf Wunsch mit Acrylfarben verzieren.
Wie man eine Schüssel mit Pinch-Technik aus macht Elisabetta Lombardo weiter Vimeo.
Bevor Sie beginnen, sollten Sie:
Den Ton aus seiner Plastiktüte nehmen und mit einem Nudelholz auf 0,5 bis 1 cm Dicke ausrollen.
Mit der Metallrippe den Ton glätten. Achtung, die Rippe ist ein wenig scharf!
Die Schablone über den ausgerollten Ton legen und die Form drumherum ausschneiden. Aus dem Rest des Tons einen Ball formen und beiseite legen.
Auf beiden kurzen Enden der Tassenform eine kleinen Einschnitt vornehmen - so halten sie besser!
Die soeben eingeschnittenen Ränder ein wenig mit Wasser befeuchten, an einer Seite anheben und die Tasse vorsichtig schließen. Die Rändern können ein wenig überlappen.
Bei Bedarf die offene Seite der Tasse oben mit Schwamm oder Finger weiter glätten oder mit einem Stempel ein Muster kreieren.
Für 2-3 Tage trocknen lassen, danach auf Wunsch mit Acrylfarbe bemalen, oder mit Dichtungsmittel die Wasserbeständigkeit erhöhen. Bitte beachten, dass die Tasse in jedem Fall nicht lebensmittelecht oder wasserfest ist!
Viel Spaß mit der neuen Tasse!
Ich habe aus Zufall angefangen, mit lufttrocknendem Ton zu arbeiten.
Ich nahm an einigen Keramik-Kursen teil und war auf der Suche nach Wegen, selbst mit gebranntem Ton zu arbeiten (was ich immer noch tue). Eines Tages lief ich durch einen Laden für Keramik-Bedarf (es warin Vor-Corona-Zeiten) und sah eine Packung lufttrocknenden Ton. Ich entschied mich, mal damit das Töpfern zu Hause zu versuchen.
Als erstes habe ich "pinch bowls" hergestellt, also Schüsseln, in deren Herstellung der Ton "gekniffen" wird (siehe Video-Anleitung). Ich ließ sie trocknen und mochte die Textur des Tons sehr. Von da an habe ich weiter experimentiert und herausgefunden, dass lufttrocknender Ton (auch "Soft-Ton" genannt) durchaus vielseitig sein kann. Und es hat etwas erhabenes, ein eher simples Material zu nehmen und daraus etwas Schönes zu machen.
Ein paar Dinge habe ich bei meiner Ton-Reise gelernt:
Obwohl Soft-Ton nicht gebrannt wird und daher nicht wasserfest oder lebensmittelecht ist, hält er mit etwas Versiegelung ein wenig Feuchtigkeit aus. Als Härtetest für meine Halsketten mache ich Sport mit ihnen :D
Weil er nicht gebrannt ist, wird der lufttrocknende Ton empfindlicher sein und an dünnen Stellen eher dazu neigen, zu brechen. Ich rate daher von zu dünnem Ausrollen ab.
Lufttrocknender Ton KANN gemischt werden. Ich habe verschiedene Farben miteinander vermengt und dabei gute Erfahrungen gemacht.
Einmal getrocknet, können auf dem Ton Acrylfarben und Dichtungsmittel aufgetragen werden, um die Beständigkeit des geschaffenen Stückes zu erhöhen.